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EL ESTADO APARENTE DE LAS COSAS, mi opinión hoy, mañana talvez....

2011-07-17T16:11:00.001-07:00

Hoy fue el segundo día de las jornadas "ejes en danza" propuestas por prodanza. Pasan cosas buenas, se habla de cosas que es necesario hablar en la comunidad ( si es que podemos llamarla asi) de la danza en buenos aires.

Pero... y si, perdón pero hay un pero; la gente de la danza , los nombres reconocidos de nuestra comunidad, no están participando. Además de la pena que me genera eso, pienso que es una muestra mas de lo dificultoso que puede llegar a ser juntarse, organizarnos, conseguir cosas para nosotros, ganar espacios, hacer redes de colaboración y respeto por el trabajo ajeno, ampliar la diversidad del espectro creativo del sector , etc mil bendiciones ...

Las necesidades de mis colegas los que no vinieron son las mismas de los que si fueron. De hecho talvez son mas urgentes las de estas personas (caras visibles del sector) por que ya producen, ya trabajan, ya conocen en profundidad la problemática del medio. Algunos de ellos están invitados a ser parte de mesas de discusión y exposición , pero una vez pasada su intervención no es poco común que se retiren. Así mismo se produjo un pequeño documental con coreógrafos y maestros reconocidos , estas personas no estuvieron presentes en las jornadas aún. Yo seguramente habría hecho lo mismo, no es un reproche en lo personal, es un signo, síntoma del estado de las cosas o por lo menos del aparente estado de las cosas. Digo esto por que yo soy parte del estado aparente de las cosas, si yo no fuera parte de prodanza, tampoco habría aparecido por ahí. soy igual , soy lo mismo. o parecido.

Otro síntoma: Una amiga querida,coreógrafa ella, que si estuvo viniendo me pregunto por mi trabajo en prodanza , si yo estaba conforme?, etc, yo le dije que si, y que se presente el año entrante como vocal... me dijo " no, necesito un trabajo pago". Y no es que no tenga razon, yo tampoco quisiera seguir haciendolo gratis pero así es la ley, así es el decreto, así son las cosas, y alguien nos dió los subsidios a cada uno de nosotros ( los que recibimos alguna vez) y lo hicieron trabajando gratissss.

Hay que cambiar decreto y ley, pero mientras algo de nuestra mirada sobre lo que queremos y lo que hay , algo de esa brecha podría ser un detonante para tomar otros rumbos amorosamente. Sí! soy endiabladamente ingenua,talvez.

En las jornadas colegas de Brasil, España , Chile, Uruguay, Sta Fé, Neuquén , contaron sus experiencias en gestión. En muchos de estos relatos nos encontramos con un camino recorrido que muchos de nosotros no imaginamos posible. Todos sienten que tienen que por delante mucho para hacer, sin embargo; y el camino parece interminable, pero para nosotros que hemos avanzado poco en ese plano, es una luz en el camino.

Desde que estoy en mi función de vocal, algo me hace ruidito en el marote: entiendo que está bueno que existan fondos concursables y todos queremos ganarlos... pero no puede ser que la solución para todo un sector sea pedir mas fondos concursables.

Es decir. y perdonen la comparación , pero un comerciante no espera a ganar un subsidio para poner su negocio, no siente que es responsabiliad de otro que su trabajo exista. Obviooooooo, no somos comerciantes y no lo queremos ser. Pero no es una comparación ingenua en este caso... sino que lo que se debe modificar es otra cosa , no la cantidad de fondos concursables ni sus montos, sino la posibiliad de que nuestro trabajo sea rentable , estable y seguro, con posibilidad de crecimiento, en lo creativo y en lo económico. no? digo... ademas fondos concursables de todos los colores si quieren.

Pero prodanza no es separado de la comunidad, y ahí radica lo penoso, prodanza fue creado por la comunidad; varios, muchos, pasaron por ahí trabajando en funciones de dirección o de directorio, muchisimos fueron subsidiados, pero en tanto prodanza se vea como el lugar que da o no da dinero para que uno haga su obra, parece ser un otro desconocido, y no ayuda eso, prodanza no puede ser el director de turno, ni el directorio de turno, prodanza somos todos , podemos ser todos, y no digo esto sin saber lo que nos impide acceder a ello, el obstaculo es una forma de posicionarnos ante nuestro yo, necesitado.

Antes de ser vocal no sentía esto, no me daba cuenta de lo aislado que puede ser el lugar de dar dinero para la comunidad. y que cada uno de nosotros puede sentirse una isla.

Somos mas de lo que pensamos

2011-06-01T10:52:00.000-07:00

si eso. Estamos solos. Talvez sea así .
Pero si yo pienso en cuestiones pedagógicas del movimiento, y algo en mí , soberbiamente cree que melina es la única persona de esta ciudad y alrededores que está en esa busqueda. Pensamos en hacer redes pero hacerlas es otra cosa.
NO es que me esté castigando y a ustedes. Vuelvo a hablar de la brecha. entre el hacer y la palabra. no es fácil hacer redes y si muchas veces se empieza por enunciar esto.
Casi todos los docentes de movimiento con los que hablo (por que para saber que piensan hay que hablar) dicen estar cuestionandose cosas parecidas ALBRICIAS!!! ya es fantastico escuchar eso.
Muchos Jams y encuentros de improvisación están brotando en la ciudad y fuera de ella. GENIAL!!! APOYEMOS , REUNAMOS , COLABOREMOS, CUIDEMOS, HAGAMOS DE LAS REDES INCIPIENTES UNA ENREDADERA FLORIDA!
y pensemos que muchas veces cuando creemos que estamos solos con una idea o con un proyecto ... es que no nos detuvimos a escuchar lo que hacen otros . A veces solo a veces, nos sorprenderemos . JAJAAJ PARECE QUE HOY ESTOY POSITIVA. BEOSOSOSSO

Que es Recorcholiss improvisado?

2011-06-01T10:06:00.000-07:00

Recórcholis

Recórcholis es un encuentro de improvisadores de diversas artes. El encuentro está dividido en dos partes, en la primera se muestran trabajos de improvisación básicamente de artes de movimiento con músicos en vivo. En esta parte bailan una o dos integrantes de la Cía e invitamos a dos bailarines más de distintas extracciones estéticas, estilos, e ideologías dentro de las artes del movimiento a mostrar sus trabajos improvisados. Luego, la segunda parte, que consiste en un jam de movimiento, música, y pintura, con visuales que muchas veces son improvisadas y otras predeterminadas. En esta instancia también hemos trabajado con poetas, artistas de malabares y circo.
Las idea primera de Recórcholis es que el arte es cambio y que a partir de la interacción con otro/s el cambio es posible. Por eso llevamos a delante este proyecto con la idea de hacer existir un espacio donde esa sea la premisa. Donde no exista lo predeterminado como única opción de creación y donde la capacidad de compartir y adaptarse a la propuesta ajena sea lo corriente.

Recórcholis sucede el primer domingo de cada mes. En C.A.B.A Argentina
Participan cada vez bandas de música, artistas visuales, artistas plásticos, poetas, la Compañía La Movemos (quien organiza Recórcholis) y bailarines invitados. Y el público que interviene en el Jam y modifica con su accionar.
Las organizadoras del evento, hacen la producción, la convocatoria, la difusión, la comida. Cada Recórcholis tiene una temática que se aborda desde la música, la danza, la comida, la ambientación del lugar.
Manifiesto Recorcholiano.

Recórcholis es un encuentro entre artes, entre personas, encuentro de almas.
Recórcholis es danza, pintura, videos, instalación, poesía, cosas ricas, música, fiesta y amor, es refugio, despliegue, interacción, acción, aprender en el no saber. Es tribu, es red, es manada, y así recibe a quienes se acercan, se hacen parte, toman decisiones, le piden, le dan, Recórcholis es comunidad
En Recórcholis no hay errores.
Recórcholis es la suma del deseo de Ana laura Ossés, Lucia Soto, Carolina Arandia, Cecilia Mazza y Melina Martín.
Recórcholis tiene el objetivo de establecer redes que vinculen distintas poblaciones de artistas, distintas artes, achicando las distancias, volviendo insignificante las incomunicaciones, creando lazos de colaboración.
Recórcholis tiene la firme determinación de relacionarse con la belleza, la luz, de estar presente en el hacer y en el compartir, en el entorno.
Recórcholis cree en construir abriéndose a la comunidad y estableciendo posibilidades y poderes, de dar y recibir, de crear y reír.

Fotos de la ultima impro en secretaría general de música.

2011-05-13T20:46:00.000-07:00

La muestra de Laura Kupperman.
Bailan Josefina Zuain y Melina Martín
Cantan Valeria Caamaño y Mariela Mendez Christie

Bailando en Recorcholis TRibal

2011-05-13T20:24:00.001-07:00

LA NUEVA ERA. O COMO ERA?

2011-04-25T17:26:00.000-07:00

AYER IBAMOS A HACER NUESTRO EVENTO RECORCHOLIS EN EL LUGAR ACOSTUMBRADO.
No quiero hablar de lo que sucedió con el dueño del espacio ese. por que no quiero luego del amor y la alegría en que terminó el día de ayer , hablar de algo tan penoso y violento.
Nos vimos en la calle... las recorcholas (4 de nosotras) los dos grupos de música que tocaban con nosotras (Fede goldberg y anexia) , marcela seoane que traia una actividad de pintura, y coni and company que hacian visuales mas dos bailarines invitados ... sin lugar donde recibir al publico (si es que así se puede llamar a quienes vienen a recorchólis). Pero teniamos tantas ganas y tanta alegría de hacer lo que hacemos que se materializó un espacio, manu una de las bailarinas invitadas puso su salita. En caravana, con público que ya empezaba a venir (habiendo dejado un cartel gigante) nos fuimos para la casa de manu. toda la gente colaboró. toda la gente somos todos, fue una fiesta preciosa. Las danzas fueron super generosas, la pintura que hicimos entre todos es bellísima, las visuales estuvieron geniales y las bandas se entendieron entre sí a las mil maravillas. la comida exquisita, se vendió todo. y era una fiesta enamorada de la vida. por eso , mas allá de los agradecimientos incluso a nosotras mismas, lo que rescato es el deseo de compartir y crear juntos y sostener el espacio. Un espacio que iniciamos nosotras 5 (analauraosses, lucíasoto, ceciliamazza, caroarandia, y yo) pero que pertenece a todos los que vamos allí una vez al mes. eso se siente , se disfruta , conmueve y se comparte. es pura luz .

que es un cuerpo?

2011-04-06T18:03:00.000-07:00

Un cuerpo que baila, es un cuerpo infinito, talvez todos puedan serlo, y dedicarse al movimiento nos ofrece la posibilidad de tener un cuerpo infinito. Un cuerpo habitable por infinitos mundos, con infinitas sensaciones. Un cuerpo vaciable de sentidos únicos, de identidad del ser. Y llenable con lo inefable. Ese cuerpo que furia, poesía, mareas, un cuerpo mas allá de la mecánica y mecánico también. Un cuerpo más allá de la musculatura y muscular también. Un cuerpo sangre, un cuerpo percepciones, un cuerpo fluidos, un cuerpo fluires. Un cuerpo devenir, y devenir corporeidad. También inmaterialidad. Ese cuerpo es un territorio transitable. Y ese tránsito es la posibilidad de ser un artista del cuerpo. Un navegante de la sensación.
Nuestro cuerpo (según Laban – Bartenieff) tiene una cantidad de mecanismos que están puestos en evidencia en los Fundamentals de Bartenieff, la función de estos ejercicios no es hacerlos, sino usarlos como herramienta para observarlos mecanismos allí presentes. Hoy en una clase de Laban un alumno dijo YA ESTA AHÍ TODO EL MOVIMIENTO, y sí!! El movimiento posible en un cuerpo esta ahí posible desde siempre. De esa misma forma todas las sensaciones están ahí posibles, todas las expresiones están ahí. Todos los mundos. Solo la percepción de ellos nos hace entrar en ellos, solo el vaciamiento de preconceptos, de experiencias nos obnubilan la percepción, nos permite ser sensibles a lo infinito en nosotros y como no somos mas parte de lo infinito, pues a navegar en eso.

comentario de las preguntitas....

2011-03-11T10:55:00.001-08:00

Entonces si encontramos que todas estas preguntas tienen una difusa respuesta. Si sabemos que no hay un consenso, o que si hay una masa informe que hace cosas parecidas es más bien por que… no se toman decisiones. O se toman por ausencia de toma de decisión.
Podría parecer que propongo que hagamos todos los mismo, talvez. Pero es exactamente lo contrario. Si supiéramos (es decir investigáramos) cual es la mejor manera de hacer una formación que le de al alumno las herramientas para hacer lo que quiera. Para crear incluso su técnica o su propia pedagogía para lo que necesite adquirir.
Enseñamos clásico se supone como base, pero preguntémoslos base de que? No es que no me parezca bien que se dicten clases de danza clásica, es solo un ejemplo. Incluso la forma en que dictamos las clases, que dicen esas formas, esas estructuras? Que piensan esas estructuras? Las necesitamos? En cada caso hablo. Cada docente las necesita? O es el formato clase que se impone como se impone el formato obra de danza, o la heterosexualidad o la cerveza con maní en el verano? Se da por sentado? Una clase está compuesta de muchas cosas, los contenidos, la forma de acercarlos a quienes toman esa clase, la relación entre el docente y los alumnos, entre los alumnos entre sí. Y todas estas cosas se alinean con una idea (o varias) pero nunca son decisiones ajenas a quienes participan, las decidan conscientes o no. Uno no es inocente de la clase que da o que toma. Uno no puede ser ingenuo frente a la clase que da o que toma.
Veo una especie de ingenuidad en general, no digo en particular por que sé que muchos decidimos y pensamos pero… talvez sería una utopía pensar en un encuentro de docentes de danza? Con discusiones posibles y actividades grupales etc? Y otra pregunta que me hago es, para que sirven esos encuentros? Pero creo que siempre para algo. Al menos para generar conciencia de lo poco que nos juntamos a pensar al respecto.

unas preguntitas que me sirvio hacerme.

2011-03-11T09:54:00.000-08:00

para que siento que me sirvio preguntarme esto? talvez solo para evidenciar una falta de entendimiento. no estoy pensando en que debieramos hacer todos lo mismo por si acaso se trasluce eso. De hecho casi lo hacemos. ese es el problema y no sabemos por que o no todos saben por que hacen lo que hacen. si alguien tiene respuestas seran bienvenidas.

• Como y quien es el bailarín argentino

1. estilos y capacidades expresivas.
2. que exigencias tiene el medio para el bailarín
3. que posibilidades de trabajo tiene el bailarín formado
4. que importancia se le da a la teoría y a la investigación?

• Como se forman los estudiantes. Que posibilidades tienen y que eligen.
1. formaciones posibles .que diferencias tienen.
2. cuantos años promedio se estima para la formación de un bailarín hoy
3. que técnicas eligen para formarse, para entrenar y para pensar el movimiento.
4. como se relaciona el alumno con su formación

• Como deviene bailarín interprete un estudiante de danza, cuando?
1. Que actitud tiene el alumno frente a su desarrollo personal en su formación
2. que pasa con el alumnado en automático de las clases. Que pasa con la sangre y la mirada. Con el entusiasmo.

• Vínculos entre alumnos y docente.
1. cambiaron los estilos y técnicas de formación, pero cambiaron las pedagogías?
2. el docente habilita al alumno a devenir bailarín, coreógrafo?
3. es responsable el alumno de su aprendizaje frente material que le ofrecen?
4. que responsabilidad tiene el docente en la contención del alumno y formación de artistas. Se les enseña técnica o arte?

• Propuestas del mercado para formarse

1. cuanto sale formarse y quienes son los clientes? Que posibilidad tienen de hacerlo bien?
2. que implica enseñar un arte? Como es nuestro arte que prefiere cuerpos máquina a artistas formados para crear y pensar? ( y aún así no los llega a tecnificar)
3. la pérdida de la escuela
4. la pérdida del lugar del maestro.
5. que deberíamos pedirle a una universidad de danza?
6. la oferta como supermercado de técnicas y estilos.
7. la falta de relación entre docentes. que espacios se crean en ese desierto.
8. no debiéramos los docentes establecer redes? Que permitan una circulación de información. que permitan encuentros para el consenso o no ( según corresponda jajaj)
9. que piensan las técnicas que se ofrecen en buenos aires. Que buscan y que consiguen
10. que herramientas no usamos o no ponemos a disposición en las clases ¿

Uno sabe ... no debería aceptar copias de si mismo.

2010-05-25T18:32:00.000-07:00

Estoy haciendo una experiencia pedagógica inusual con un grupo de alumnas avanzadas. Un desafío se me presenta en cada clase, es un aliciente, un goce y un aprendizaje para mi misma. Viví en mí algo que talvez solo talvez le pase a otra gente, cierto adormecimiento en mi trabajo, no en la relación y el interés que me despierta cada persona pero si en la creatividad a la hora de armar la clase. Con estás clases donde el desafío es grande mi alma toda participa.Estoy feliz de eso. Pero no escribo para publicar mi alegría, sino por que estas clases son producto de encontrar las clases de técnica de danza contemporánea algo ... cuadradas y previsibles , cosa que mata al espíritu tando de docentes como de alumnos; las siento poco flexibles como si lo importante no fuera el alumno sino la técnica. La técnica en tanto disciplina , conjunto de reglas. ¿Qué busca el que toma clases de técnica? no se exactamente que buscan otros. yo se que yo buscaba herramientas para poder bailar sin lastimarme.
Veo que muchas veces la técnica inhibe la expresión, la gente se esmera obsesivamente en el espacio y la forma. Pero esa forma vacía aburre. Esto es algo ya dicho por mi y por miles de otros. El asunto es, si los docentes hacemos o podemos hacer algo al respecto, que respuesta damos?
De eso se tratan las nuevas clases que estoy dando, de habitar de otra forma una clase de técnica ,de pedirle otra cosa a la técnica no ser un fin sino un medio. y como tal usarlo para atravesar la espesura , hacer fluir el cielo . No estoy segura de como lograrlo pero el solo hecho del intento es vivificante.
Que es la honestidad sino la falta de preconceptos?, el estar abierto a devenir movimiento, a descubrir en los pliegues? Busco la inocencia en mi, la capacidad de estar sin saber el futuro , sin pretender saber el presente. Sin atarme a reglas. Digo esto, que me es endiabladamente dificil, en todos los aspectos de la vida. Pero en lo laboral suele haber ademas una inercia, un esto se hace así reglamentariamente, un replicar una historia de años de pararse en sexta para empezar la clase y no estoy diciendo no usemos mas posiciones ( o en todo caso da lo mismo) sino hacer de ese encuentro un encuentro vibrante donde sea imposible no estar, no ser sino uno mismo. Y cada uno tiene algo único e irrepetible algo feroz en sus entrañas algo que es igual al cosmos. cada uno es una potencia .

¿Qué pomo dice el movimiento?

2010-03-04T07:00:00.001-08:00

¿Qué pomo dice el movimiento? o ¿cómo lo dice? es un problemita, si se quiere, que la danza no termina de resolver y tal vez, gracias a Dios.

Esta nota es un "si sale". No tengo idea de la respuesta, soy más bien una escritora de sensaciones, que de ideas. Pero voy a tratar de exponer mi parecer.

Se ha planteado de varias formas distintas: la danza clásica habla de historias al mismo tiempo que su significante nos habla de la danza clásica, de la técnica y del desempeño del bailarín. Merce Cunningham trató de decir NADA y dijo cuerpo máquina productor de movimiento. Anne Therese de keersmaeker propuso un bailarín dividido entre teatralidad y movimiento, Pina Bausch soporta el sentido desde lo escénico; desde la estructura. Y han aparecido recientemente, los bailarines del músculo, aquellos que muestran la materialidad de cuerpo. Esto, obviamente, a grandísimos rasgos.

Sin juicio de valor alguno, todas estas propuestas son válidas o, mejor dicho, ¿quién es uno para no validarlas? Son formas, y respuestas posibles a un enigma que los bailarines, a veces, no nos planteamos.

Acabo de llegar de un ensayo de una coreógrafa amiga. Y le comenté lo que había visto. Ella me contesto: bueno, eso es lo que vos ves. SIISISISISIISSI, yo y algunos más. Es decir, si me visto de rojo con vivos blancos y me pongo un gorro rojo con borla blanca… puedo decir que soy Batman, pero… no puedo pretender que el otro lo diga. En fin, muchas veces esto que me acaba de pasar como espectadora, me ha pasado como intérprete. O coreógrafo. Muchas veces el bailarín no se hace cargo de lo que dice su movimiento. Y no estoy diciendo adjudicarle un sentido, como lo ha hecho la danza moderna o la clásica. Sino que uno debe (tomen este debe con pinzas, por favor) ser un interlocutor de su propio movimiento. Sobre todo un improvisador. Pero todo aquel que esté bailando tiene la posibilidad de recibir lo que el movimiento le dice al cuerpo. Le dice sentido, sobre todo al cuerpo que esta sintiéndolo.

El movimiento desnudo…

En su libro, Didí Huberman nos habla del intento de desvestir de sentido al arte. Cuenta cómo Tony Smith (escultor estadounidense), al hacer su primera escultura (un cubo negro de 1, 9 metros de lado) construye una forma neta y a la vez presenta lo antropomórfico, o mejor dicho, la ausencia de hombre. Y se cuestiona Huberman, qué se ve cuando ve una tumba. Alguien en su sano juicio ¿vería un prisma de cemento estando frente a una lápida? No es un objeto que vemos. Es un interlocutor, es nuestra próxima ausencia mirándonos.

Entonces, aunque es mas fácil al pensar en la lápida, enfrentarnos a un objeto en calidad de espectadores, es leer sentido de alguna forma. El problema es cómo se enfrenta a eso, el trabajador del movimiento. El sin sentido… si es posible también, cuando no se termina de construir ninguno, cuando "te empiezo a contar caperucita roja y acto seguido, te leo la lista de números ganadores de los últimos diez años de la lotería nacional, pero… ¿no habrá allí también un sentido? ¿Un sentir? ¿Una sensación de incomodidad, al menos porque mi cerebro se había acomodado para (o acostumbrado a) escuchar caperucita?

Y el cerebro

Hay una diferencia entre el pensar, el sentir y el hacer: las brechas mágicas. En esas brechas podemos perdernos como en un bosque mágico. Y no salir.

Hablando de este tema en particular, es importante, si uno va a pensar (por que es valido no hacerlo) no creer que porque uno lo pensó distinto, porque cree en eso, podrá hacerlo distinto. Si nó, no existirían esos errores acerca de los cuales uno dice "ya sabía, pero lo hice así de todas formas". Hay una huella del hacer y una huella del pensar. Por eso la danza, muchas veces nos sorprende. Cuando el coreógrafo explica lo que quiso hacer y uno no vio esooooo. No sé si llamarlo falla. Es simplemente una desconexión entre lo que el tipo piensa y lo que el tipo hace. Si lo que me gusta me hace feliz de todas formas, si lo que piensa me gusta pero lo que hizo no, ufa.

Volviendo, cada una de estas brechas son fosas donde sumergirse, pero ¿qué onda con eso de sentir algo y hacer otra cosa? ¿O sentir algo y pensar otra cosa? En todo caso, no quiero hacer una valoración romántica del sentir. Sino una valoración (si quieren romántica) de lo uno. De estar junto, lo más junto posible en las tres direcciones; entonces, no habría de ser un problema el saber qué hacer en la danza, qué movimientos poner o no, qué espacios recorrer, qué música; todo iría calzándose, un sentido dentro de otro, un pensamiento sobre otro y una acción a continuación de la otra. ESO ES MI CREENCIA Y MI VIVENCIA. Con esto, no quiero decir que lo tengo resuelto. Si sonó así, lo siento, pero cada vez que me meto en estas brechas salgo vislumbrando el camino, un camino. Cada vez un camino distinto, si se acepta. No hay RECETAS, eso sí lo sé!

¿Cómo elegir movimientos?

Una amiga me dijo que robaba movimientos, y escuché decir a otra que le habían robado el movimiento... me río mucho. Los movimientos son fonemas ., A, E, I, O, U. arg grrrrr, UFA.

No se pueden robar, se pueden usar.

Una obra no es los movimientos, es también los movimientos, pero es la idea, el sentir del corógrafo e intérprete. Es la suma de las distintas artes que intervienen en ella; del espacio escénico donde habita la obra. En el decir de la danza están los fonemas, la gramática y semántica. Talvez no se pueda comprender como el lenguaje hablado. No se puede decir, de muchos movimientos, donde terminan o cuánto influye el trabajo de las dinámicas en el decir (yo creo que es decisivo), pero sí se puede sentir. ¿Quién de ustedes, bailarines, no se sintió un imbécil alguna vez, bailando? Si no les pasó, es que tuvieron mucha suerte; siempre han tenido coreógrafos brillantes. Cuando algo no cierra, cuando no se entiende por qué ese movimiento está ahí, (y no hablo de narrativa, puede ser un sentido cinético), uno siente que hace algo inhabitable, como si estuviera mal vestido en un casamiento.

Por eso, el ROBAR movimientos es una acción de una aridez importante. Además de que no se puede. Ajjaaj. El movimiento, si me sirve, es mío, y no importa si lo vi. Pero solo si me sirve, si encaja en el camino que hace mi movimiento en mi cuerpo, si encaja en la gramática del conjunto. El movimiento es nada, que, obviamente, es decir que es todo. Y así es.

Escribiré a continuación una obviedad: se puede robar una obra, claro, entera o casi entera. Ok, pero ¿qué imbécil se va a dedicar al arte para copiar lo que hizo el otro? ¿no es artista aquel que tiene la necesidad de crear, de hacer su hacer Y no estoy hablando de genios creadores. Un intérprete, un cocinero, lo que fuera que sea ), cuando hace, está ahí viviendo eso y tomando decisiones.

Podríamos decir que un artista puede tomar la decisión de copiar una obra o usar la obra de otro para lo que sea. No reniego de Warhol, todo lo contrario.

Digo que eso no sería robar sino usar. Y si usan la obra de otro, estarán creando un algo.

Volviendo a volver

Entonces para mí, humilde opinión de trabajadora del movimiento, lo único que nos queda es la honestidad. No sabremos tal vez cómo dice, pero sí sabremos qué pertenece a ese decir y qué no, qué no transita, qué nos habita, qué pensamos al respecto; y podemos revisar las brechas si queremos, además de ser honestos, ser coherentes. Acaso en la incoherencia se halla algo de deshonestidad. O no. De verdad no sé. Pero si es como dice la medicina china, uno debería poder ser un uno consigo mismo. Lacan, a tomar por culo, que se maten entre ellos.

La politica del destete o algo así

2010-03-02T21:45:00.000-08:00

Los coreografos queremos subsidio. ok
pero ademas alguna gente quiere ser coreografo para recibir subsidio. o ... sacar un subsidio para ser coreografo. Sacar un subsidio para ser mini famoso en el mini mundo de la danza argentina. Pero ser coreografo es sentir y necesitar hacer coreografías. No es ser conocido para poder sacar un subsidio para ser conocido.
A alguna gente no se le ocurre otra forma de pensar su carrera. En nuestro país no parece haberla. generalizo pero no pienso que a todos nos pase eso. solo generalizo.
Una gran cantidad de coreógrafos se presentan en Prodanza cada año (entre ellos yo , claro). Por que? Guita obvio. falta y queremos.
El punto es que Prodanza se transforma en una teta en la que no cabemos todos. y pretender que se agrande el presupuesto para caber mas, esta bien, pero ... nunca cabremos todos. El problema es otro. claro los bailarines y coreografos merecen ganar dinero y mucho mas de lo que Prodanza puede darnos.
El problema es que seguimos siendo una elite.
Y no hay público. y queremos que se resuelva sin acercarnos al público qeuremos que este venga a nosotros , no parece que vayamos a ir hacia él. ERROR GARRAFAL.

El público es lo que garantiza funciones. y trabajo. Si no hay público no hay función y sin función la obra no existe. no importa cuantos subsidios te saques. Cada vez que la obra se representa , vive y crece. tonces??????
hay que crear , criar Público.
Hay que trabajar en la difusión de la danza. para poder seguir creando.
Me pregunto porque no hay colectivos de danza en la cantidad que los hay en la pintura. Por que no hay danza en escuelas? Por que los bailarines estamos tan poco metidos en cuestiones sociales, y porque no hay infantiles de Danza?
TAMOS EN PROBLEMAS HOUSTON! por que no es cuestión de repertile a la gente "LA DANZA ES LINDA". sino hacer algo que les guste ver. con lo que se sientan bien. Nuestro cerebro tiende a desechar lo que no entiende, lo que es realmente desconocido. No hay que olvidar que lo que para nosotros es nuestra vida, nuestro código , para ellos es un espectáculo que van a ver en su tiempo libre. No por eso eso digo producir basura, sino trabajar activamente en que la gente vea danza mucha en cualquier lado, en facebook , en escuelas, en la calle, en los bondis, en los centros culturales. acostumbrar el ojo. y el alma. Hacer crecer el N° y la calidad del público. Es una tarea que nos conviene a todos emprender. Por que??? cuantas veces irá tu mamá a ver tu obra?

El movimiento es hipnótico, a la gente le gusta ver cuerpos que se mueven, lo que les complica es sentir que hay algo que entender, algo que no entienden. La gente disfruta del movimiento pero no de sentirse imbécil. qeu cosa curiosa!!!!!!!.

El asunto de la pertenencia

2009-11-23T09:03:00.000-08:00

Andrea suarez me contesta a esta nota en el facebook , que siente lo mismo y que le parece casi un tema de pertenencia, como una identidad de"nosotros somos los que hacemos esto" y si te corres de ese sitio pues no perteneces mas. yo diria que si existe eso, no si es algo que nos pasa en el cerebro a los que hacemos danza o si es algo que la danza como medio propone , a partir talvez de su falta de lugar social como una especie de acto reflejo de existencia, no podria votar por esta opcion pero puede influir en algo.tal vez no ayude la estrutura misma de un arte basada en un lenguaje inasible y escurridizo. Que nos arroja violentamente sobre cuestiones tan abismales como si es algo o no lo que estoy diciendo o mas grave dice? entonces talvez el codigo se cierre sobre si mismo, es casi como un rompecabezas tiene una forma de armado, a nadie le parece importar armar otra figura. siempre en gral. somos algunos los que nos preguntamos esto. creo. pero resolverlo es otro cantar, cuantas veces en lo cotidiano uno hubiera querido actuar de otra forma y no vio la posibilidad. En la actividad artística uno pone mas foco debiera ser mas facil pero es alli donde la vanidad ( vaya a saber si es vanidad o solo estupidez) nos hace ir derecho a la accion , como alguien que por ver el arbol no ve el bosque.
Lo dar por sentado toman asiento entonces en la propuesta de cada artista, siempre pasa, nadie creo puede pasar por la lupa todo todo el tiempo. pero a veces lo asentamientos son personales, no standarizados y previstos en el guión.
Tambien es curioso que haya usado la palabra pertenencia cuando es el ámbito menos amable junto con el de los financistas talvez o algo asi. Lo cierto es que pocas personas dentro el medio , tienen algun sentido de pertenencia o tribu, parece que nadie se da cuenta que construir un lugar para todos no es hasta que entre yo y luego basta. donde la diferencia sea normal, donde cada uno arriesgue y exista el respeto por la labor ajena , y volviendo al núcleo de la cosa , como habria alguien de tener respeto por mi trabajo si yo no lo respeto lo suficiente como para preguntarme ciertas cosas , y no darlas por sentado, no es un trabajo de ascensorista donde marcando el piso 3 el ascensor se dirige alli. aqui uno marca y la cosa se va para cualquier lado , y uno sigue creyendo que fue al piso 3.y a veces ni miran en donde desembarcaron. y para seguir con el maravilloso mundo de la danza, he visto docentes ser violentos y crueles con sus alumnos , coreógrafos idem, alumnos que me han pedido rigor, y gente opinar de la silueta de un bailarin como si eso pudiera ser cuestionable. ponemos el cuerpo y no nos cuidamos amorosomente entre nosotros. la danza debiera ser amor, es un espacio donde nos exponemos frente a otros y a nosotros mismos. empecemos por cuidar a los que estan cerca, y expandir, ayudar a crecer, y talvez tambien nos conmuevan los de la tribu de al lado que tienen los mismos conflictos no??????? un beso

Cosas que me tienen un poco harta

2009-11-22T19:31:00.000-08:00

Lo que voy a decir es obviamente solo mi apreciación personal y espero que no ofenda a nadie. si es que alguien lee esto claro. Lo vivo en mi propia persona cuando voy a plantearme un proyecto. En principio hay un formato danza contemporánea, es un formato que se ha establecido y del que muchas veces no nos proponemos ni salir ni permanecer. es que no lo vemos? pues este formato aburre, por visto , por que se impone solo, y por que no ha sido creado en absoluto por quienes crean la obra. esto me hace pensar en que no nos planteamos en gral, que estamos haciendo, ni por que. Lo que me hace pensar en el lugar del director coreografo, vamos a hacer movimiento esta bien , o talvez no , talvez sea hora de excedernos pero no existe ese permiso, en gral, no existe el permiso de replantear formato, ni código. El movimiento que es uno de los lenguajes de la obra puede ser diseñado pero la obra???????? el otro dia vi la obra de una coreografa que trabaja muy bellamente lo kinetico y la imagen , pero la concepcion de obra no existía, el formato era el usual de la danza, y por mas que la genialidad de lo que se veía era inapelable, se producía un vacío adormecedor.
Otra cosa con la que no creo que estemos discutiendo es con el tipo de música que se usa. y como se la usa. Basta de música contemporánea y de solemnidad por dios y todos los santos evangelios; no es que la música contemporánea no me guste, todo lo contrario la amo. pero me hace acordar cuando Ana Itellman ( segun una maestra mia) decía te gusta Piazzolla ? escuchalo en el baño. Pues la idea es decidir , elegir o dejar que la obra te hable mejor que mejor. y lo de la solemnidad bueno que nos pasa bailarines???? no es divertido , no es alucinante bailar? no es apasionante? porque el acartonamiento, o la pose, por que no mirar un poco a nuestros primos los teatrales? por que no usar y recursos personales y hacer del encuentro un ritual , un lugar donde pasen cosas? donde nos pasen cosas?
Porque siempre estamos tratando de no ser tan distintos del standart y luego queremos ademas ser geniales ( que pretensión) y el juicio de los demás y ser aceptado, y no estar por debajo ni dar la nota, ufa! pues eso es como no crear , pretendemos investigar, y luego el producto se parece a otros ...mmm... eh....me parece que tenemos mucho miedo a hacer algo fuera de lugar, y el miedo debiera ser a no haber hecho nada, nada propio. yo llamo a mis obras mis hijos discapacitados, yo quisiera que sean brillantes y autosuficientes pero salen como salen y yo estoy aprendiendo. Crear en arte es estar expuesto, es cambiar , permeabilizarse, moldearse y dejarse moldear, estar ahi y dejare brotar de frutos prohibidos. un beso grande melina

2009-11-04T17:31:00.001-08:00

La clase de danza despareja.
Una grieta para la experiencia

Siempre pero siempre nos vendrá bien hacer un Grand plie simple, como si lo fuera.
Algo que podría ser una desgracia en una clase se puede convertir en lo interesante de esta. El grupo homogéneo es lo ideal, si. Más no ofrece la posibilidad de observar instancias del proceso de aprendizaje que hemos pasado. O que aún no nos a tocado vivir. Hoy en mi clase una conversación entre Fran y Lucía donde él le decía que no se preocupe, que no lo espere para ir al unísono y ella contestó que no le molestaba, que observaba sus dificultades y veía como las resolvía y aprendía de su aprender. Esto es algo que no pasó de casualidad, siempre trabajamos con la conciencia de proceso, de elaboración, y de grupo. Cuando hay desniveles técnicos alguna gente se pone muy muy muy nerviosa, a veces los principiantes (en Gral.) porque sienten que retrasan la clase o por que se comparan con otros. Pues es un error tremendo y temiblemente humano. No tenemos que hacer todo bien y menos sin saberlo. Aprender, tomar, agarrar, asir, lleva tiempo y cada uno tiene formas diferentes de hacerlo. La falta de experiencia en algo no nos hace discapacitados ante la nueva tarea, el ser humano tiene una gran, talvez excesiva, experiencia en aprender pero al llegar a la adultez parece que debiéramos saberlo todo. Y obviamente no es así. El cerebro necesita volver a estimularse con nuevos desafíos.
Y aquellos que están más avanzados pueden aprender nuevas formas de adquirir conocimientos que ellos ya adquirieron. Porque cada persona ha construido caminos de adquisición de experiencia y conocimiento diferentes. Y aquí llegamos a un punto interesante, el de la experiencia. Dice Agamben que la experiencia se pierde con la conciencia, que luego del habla la conciencia ocupa un lugar que impide el ejercicio de la experiencia. Y en la danza que es un territorio sin habla existe la grieta (eso digo yo) para la experiencia. Un territorio que sin palabras, sin imagen, a pura sensación abre las puertas de lo empírico como las de un paraíso perdido ( próximamente nota sobre este punto). Por eso todos los cuestionamientos que uno pueden hacerse frente a un otro, comparaciones etc. No deberían existir, la clase es un espacio donde todos, incluido el docente, están aprendiendo a aprender, y el cuerpo es el territorio de la experiencia.

2009-10-26T16:56:00.000-07:00

ademas martes y jueves a las 13 30 avanzados _intermedios.

El soporte del espacio

2009-10-26T16:54:00.000-07:00

Cuando nos movemos, movemos nuestra esfera de movimiento o kinesfera. Esa esfera de movimiento es una esfera imaginaria pero ni tanto, es el máximo rango de movimiento que podemos alcanzar. Y ese alcanzar nos ofrece poner en acción el soporte del espacio. Al alcanzar se establecen puntos de apoyo en las articulaciones, se estabilizan y es ahí que se genera lo que acostumbramos a llamar proyección. Eso sumado al empuje del suelo, y la postura correcta. Este alcanzar, que genera el soporte del espacio es imprescindible para un buen desempeño como bailarín. A veces un alumno tarda mucho tiempo en practicar este tipo de acción, dado que se encuentra tratando de recordar pasos y levantar piernas. Pero esto es vital que se haga cuanto antes dado que permite conocer áreas del espacio que circundan que de otra forma nos son imposibles de transitar. Estas áreas del espacio a las que me refiero son todas las posibilidades de fuera de eje. Y las oposiciones entre unidad inferior y superior. Esas posibilidades que se pierden al no entrenar el soporte espacial serían una gran riqueza para el bailarín
Además el soporte espacial conecta al cuerpo con el piso dado que para expandirse debe tener un empuje claro y el cuerpo activa ese empuje ante la necesidad. Con que además se estable una cadena de consecuencias con el empuje del suelo se colocan las costillas y se sostiene el abdomen, se estabiliza la cadera. No digo que sea la solución a todos los problemas del bailarín, pero es una gran herramienta.

2008-12-28T19:12:00.000-08:00

A veces este mundo no nos permite hacer lo que necesitamos o nos propone esfuerzos inmensos para lograr nuestros deseos, pues valen la pena. no dejen de bailar, pintar , cantar, o hacer sus caprichos del alma. es lo unico que vale la pena. melina martín

cecilia mazza en D de Deseo

2008-12-28T19:08:00.000-08:00

obra D de Deseo dirigida por Melina Martín , estreno pata de ganso oct. 2008, subsidiada por Prodanza 2008.

bailando con tomás

2008-11-17T17:05:00.000-08:00

mi curri por si acaso alguien lo quiere leer....

2008-11-14T07:10:00.000-08:00

Curriculum Vitae
Escorpio, ascendente en Aries, gallo en el horóscopo chino, mono rítmico azul en calendario maya.

Melina Martín nace en 1969, una familia de clase media argentina donde todos los integrantes son artistas que no se dedican tiempo complete a su arte. Cumple con los ciclos obligatorios de educación oficial, en tiempo y forma.
Su formación artística comienza a los 4 años recibiendo de su abuelo una valija de oleos y comenzando su concurrencia a un taller de pintura. A la edad de 10 años hacia practicas de trapecio y acrobacia por su cuenta en la plaza de su barrio y sus sueños eran irse con un circo, en la adolescencia fue adicta grave a la lectura.
Al terminar el colegio secundario inicia su formación en danza, tomando clases de ballet, zapateo americano y jazz, con gran frustración estética.
Un año después, luego de intentar sin éxito ingresar en el taller del Teatro San Martín, ingresa en la escuela taller de Margarita Bali, donde comprende que existe la danza como arte.
Al cierre del taller de M Bali ingresa en la escuela Taller Armar Danza –Teatro de Silvia Pritz (con quien se forma en composición coreográfica) y Silvana Cardell, donde es increíblemente feliz estéticamente. Y donde termina su formación. Luego de ello viaja a Alemania donde pasa 4 meses en la Folkwang Hoschulle en Essen Werden. Al regresar inicia su labor docente en técnica Humphrey, y partener de danza moderna (programa diseñado por la mismísima melina haciendo puentes teóricos entre la improvisación de contacto, la técnica Humphrey y el análisis Laban),en la Escuela De danza del Abasto de Silvana Cardell.
Ha estudiado música y canto, y composición musical, realización y diseño de vestuario escénico, ha recibido entrenamiento en talleres protegidos, micro-emprendimientos, foundraising. Actualmente esta en tercer año de estudio de medicina tradicional china.
Melina Martín no ha interrumpido sus estudios de Pintura y ha expuesto recientemente y ha seguido formándose en distintas disciplinas de danza aprendiendo y entrenando. Actualmente intenta escribir un libro de pedagogía aplicada al movimiento.
Dicta clases de Técnica Humprhey, composición coreográfica, seminarios periódicos de análisis e improvisación Laban, ha dictado partener en la E.D.A, y el I. U. N. A (lugar donde fue titular en composición, partener, y técnica). Ha dictado clases en la universidad Católica de Lima donde viaja anualmente.
Además ha trabajado en lo pedagógico con psicoticos, adictos y retrasos madurativos leves
Como interpretes a Bailado con pocos corógrafos, Silvia pritz, Silvana Cardell (con quien a bailado por 10 años), Diana Rogovski, Florencia Olivieri, Constanza Macras, Maria Jose Goldin (actualmente).
Ha compuesto 10 obras: el Bartolo, La Farsa, Vecinitas de enfrente, Poemas 1 y 2, El cielo sobre mi, Ci, Tras, Entre, Ante/Desde (la Herida) que ha recibido subsidio de Prodanza y del Fondo nacional de las Artes. Actualmente tiene su grupo con quienes trabaja D de Deseo por la que ha recibido el subsidio a la creación de prodanza, organismo para el apoyo de la danza, del gobierno de la C.A.B.A.

Vive en una casa con jardín, con árboles, con tres gatos, no tiene hijos, y ama lo que hace.

ensayos de D de Deseo

2008-11-14T07:04:00.000-08:00

pintar tambien esta bueno

2008-07-22T23:56:00.001-07:00

muestra plantas melina martin 2008 bar el dorinda , guatemala 4487 C.A.B.A

Dando clase en el I.U.N.A de partenaire contemporáneo

2008-07-22T23:37:00.000-07:00

un poco de Doris Humphrey

2008-07-22T23:23:00.000-07:00

“Desde que relacioné mi danza con los valores humanos
mi técnica se basó en los movimientos naturales del cuerpo”

Doris Humphrey, My approach to the modern dance

En 1920 parecía ser necesario tener un motor real y orgánico para el movimiento. Doris Humphrey lo encuentra en el concepto de caída y recuperación, y lo piensa a partir de cosas muy simples como el paso y el andar corriente, ella observa que en cada paso existe un “tomar el peso y dejarlo caer “, y extrae de ello que hay un ritmo motor propio de los humanos. Por otro lado, observando la respiración encuentra el mismo fenómeno (al inspirar se toma el peso y al exhalar se lo deja caer) y de ello extrae que existe un ritmo respiratorio y encuentra que es manejable y hace variaciones sobre él. Observa los sentimientos y encuentra que cada emoción llega a un máximo, se agota y cambia, de ello dice que existe un ritmo emocional.
Sobre estos tres tipos de ritmo basa su técnica de caída y recuperación. A la vez hace un estudio muy exhaustivo del peso del cuerpo en la vertical y en la horizontal.
Habla de 2 muertes: la del absoluto control del flujo de movimiento y toma máxima del peso (en bipesdestación) y la del abandono del peso (en nivel bajo, en el piso). También establece que el movimiento entre el punto más alto (identificado con el ideal apolíneo) y el punto más bajo (identificado con el ideal dionisíaco) es un arco al que llama el arco entre dos muertes. El ir hacia la caída es ir en búsqueda del peligro y recuperar el equilibrio es ir hacia el control de uno mismo. La naturaleza dual del género humano y el potencial creativo de la técnica Humphrey radican en el sueño de perfección y la necesidad de peligro; esto genera una danza con gran lirismo propio de la época en que fue creada.
Pero Doris H. crea su técnica desde una concepción muy moderna, la crea como un sistema de entrenamiento donde los movimientos son estudiables por las habilidades que desarrollan y no está concebida como un sistema cerrado de movimiento autotélico, repetible; de hecho ella no recomienda la creación de coreografía a partir de ellos. Como coreógrafa ella fue de las pioneras de la danza moderna americana y fue la primera en construir obras no narrativas y explorar lo temático no narrativo, haciendo con eso vanguardia en el desarrollo de una verdadera modernidad en la danza. Entre sus danzas temáticas se encuentra: La llamada / respiración de fuego, El estudio del agua, Nueva danza.
En su libro ”El arte de crear danzas” D. H. dice claramente que ve la necesidad de desarrollar clases de entrenamiento para que los bailarines tengan más recursos técnicos, e incita a la creación e investigación coreográfica. Yo siento al relacionarme con su trabajo, que D. H. tenía un profundo amor al movimiento y a quienes se dedican a él.

Melina I Martín para la revista la luciernaga

bailando la obra de Maria Jose Goldín, el Plano de sus piernas

2008-07-22T21:38:00.000-07:00