En el origen fue la mesa verde"

La mesa verde no es una obra de danza ( si lo es) pero es además el mito de la mesa verde, al menos en Argentina, Latinoamerica, es la obra sobre la que nos hablaban los profesores de historia de la danza , los profesores de composición coreográfica en algún momento, no pueden mostrartela , mas que alguna vieja filmacion con apenas unos minutos. Pero en la mente de todos queda en un pozo nebuloso la idea de una obra que jamás verás y que fue el origen de toda la danza que hemos visto luego. Si esto es tan verídico o no , no importa, porque estamos hablando de mitos. Sucede algo cuando el mito se hace realidad , incluso cuando se hace algo recordable. Ayer vi la mesa verde. La mesa verde es una obra antigua, y si! que otra cosa podría haber esperado. Es una pieza antigua, cada movimiento se corresponde con una acción narrativa, los roles están establecidos claramente , está dividida en actos( como la ópera, el zainete o cualquier formato de teatro antiguo), tiene moraleja!!!!, y postura política, la mesa verde aún asi tiene un trabajo super fino y excelente en el manejo de las calidades de movimientos ( efforts) y no te aburre como sucede con tantos trabajos de colegas (digo colegas por que uno no se aburre con el propio pero es lo mismo). Es una obra ingenua! absolutamente ingenua, antes del collage, del postmodernismo, del manifiesto del no ( que también quedaron ingenuos) es tierno ver la mesa verde. Es como las historias de nuestros abuelos donde las cosas se resolvian siendo honesto y trabajando duro. Bueno esta es una obra que no tiene ambigüedades, y como suelo decir , con el movimiento es sumamente dificil mentir o decir dos cosas a a la vez; la mesa verde tiene un código claro, un formato claro, una narrativa sencilla, y llega a emocionar por si misma mas allá de lo historico cuano la muerte se lleva a la prostituta o cuando todos los caídos se van detras de la muerte! Por algún motivo esta obra aún funciona, talvez porque es mas sencillo pensar sin dobleces, sin trasfondos , adjudicando un signo a un contenido. o por que talvez hemos llegado a disolver a tal punto la estructura de las obras que al ver esta no podemos menos que esbozar una sonrisa .Tengo que aclarar que aún asi , si esta obra hubiera sido compuesta hace dos años... mi sonrisa habría desaparecido. En fin no deja de ser historia, pero una buena.

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sensacionalidad

yo como un sugus azul, vos comes un sugus azul, si nos ponemos pensar seguro suponemos que sabemos lo que el otro siente en la lengua. y de algún modo no comprobable lo sabemos. yo siento el calor de una estufa , vos sentis luego el calor de la estufa , yo se lo que sentis al acercarte a la estufa, vos sabes lo que yo sentí antes. de algún modo. cuando un bailarín mira una clase de danza , cuando un improvisador observa una clase de contact o ve improvisar a otros , de algún modo sabe , sabe como se siente el movimiento , y sabría reproducirlo, y sabe las decisiones que el bailarín toma en su danza. Es una habilidad ? es algo que se puede desarrollar? es real? o es una imaginación no comprobable? en todo caso sea como fuere aún así , tiene una utilidad . esa sensación de ser con el otro. respirar con . sea al mismo tiempo o en diferido. es imaginar la sensación de hacer aquello que hace el otro o siente el otro . Eso nos pone en la presunción de que de algún modo todos percibimos mas o menos igual. Esto se da de patadas con la idea de la diversidad . sabemos que el rojo que veo probablemente sea muy parecido al rojo que ves pero no sea el mismo, por ende esta empatía sensorial es solo un aproximarse , pero aproximarse al otro no es ni por asomo algo pequeño. como decía laban la sensación se siente en el cuerpo y es la palabra que impregna el área del cuerpo. cuando nos ocupamos de las sensaciones estamos trabajando en el área del cuerpo. esta supuesta empatía o sintonía en la sensación implica un encuentro con el cuerpo de otro, sintonizando en un mismo color de sensación. cuando veo una obra de danza siento en el cuerpo aquello que hacen otros, lo siento de alguna forma tenue por supuesto, dado que no lo ejecuto yo, cuando bailo con otro siento sus decisiones entiendo su pensamiento , entiendo su musculatura. Los bailarines debiéramos trabajar en este aspecto. tal vez hay un montón de gente que lo hace pero bueno no me he conectado con ellos. Sabemos como estaba vestida una persona que vemos, no necesitamos mas que prestar una pequeña atención, para saber como suena la voz de otro necesitamos prestar atención ( a menos que tenga un timbre muy peculiar) y escucharlo hablar, para saber como huele usualmente un otro necesitamos tener cierta proximidad ( a menos que hieda) y concentrarnos , para saber las sensaciones de otro necesitamos mucha contemplación, y quietud. Pensé que si pudiéramos ( tal vez sea una ingenuidad total) desarrollar esa forma de sentir al otro, como habito , seríamos mejores personas, no es saber como va a reaccionar , es saber como siente en el cuerpo, saberlo por estar sintonizado, no se cuan malvado tiene que ser alguien para hacerle daño a un otro si puede imaginar como siente ese daño.

Doble posicionamiento del artista temporal

La muerte no es la negación del ser sino la negación del estar allí dice Derrida y lo repite Eric Del Búfalo ante la muerte de Derrida, “la muerte de Derrida no le pertenece a Derrida, nos pertenece a nosotros”, esto sitúa al estar en un evento temporal, sigue siendo luego de no estar. La danza como evento temporal sucede y también es, al terminar sigue siendo pero en su no estar, la obra no se pertenece ya a si misma sino a todos aquellos que la vimos, la hicimos o participamos de alguna forma, sigue siendo a pesar de no estar ya, de no ser posible de interpretar, es hasta que hayan muerto todos los rastros de su existencia y sigue siendo en su pequeña influencia en el mundo . La muerte cantada , representada, contada, es la muerte tomada por los vivos, es pasada al mundo de la representación y toda representación es en ausencia del objeto, toda obra de arte es , o está acostumbrada a ser, una representación a la vez viva, a la vez muerta. Es un punto bisagra entre lo que es en otra parte o lo que fue en otro tiempo, lo que es allí y es para los que allí están, y lo que dejará de ser cuando uno no esté en presencia de ella. La obra deja de estar pero sigue siendo. Si la presencia es lo imposible y el pensar es tomar una distancia infinita, distanciar es insistir fuera de la existencia… entonces la obra como representación es distancia del objeto presencia real. La obra es insistencia . Lo dado entre la pregunta del ser y el logos de esa pregunta ( con todos sus olvidos y memorias) no aparece como real , es decir no es la cosa de la que habla la obra, no es presencia de la cosa, es la huella de la presencia lo que se manifiesta. Al hacer una obra temporal al comenzar un trabajo estamos rastreando huellas, las ordenamos , nos perdemos en ellas, y ofrecemos una presencia que es huella de otra presencia que es siempre ausente. Obra que es composición de si, y composición distante ausente, de lo real. Es un doble posicionamiento, Derrida dice dis- posición. Y en esa dis-posición es donde está presente la ausencia de lo real y por ende se hace presente en cada re – presentación. Este doble posicionamiento pone al artista, intérprete en la situación de re- presentar es decir tomar distancia y a la vez estar presente y vivir esa realidad cada vez. Si usamos la idea que se le atribuye a platón sobre la etimología de la palabra signo, “sema” de que el cuerpo es la tumba (sema) del alma, y ese alma está encerrada en el cuerpo que la contiene, el cuerpo es huella de ese alma, cualquier representación estaría siendo un movimiento del alma dentro de esa celda (idea bastante antigua pero útil) y las representaciones se vuelven infinitas , infinitas como distanciamientos hay de las cosas. Infinito como el pensamiento. Por eso busco en la representación artística la huella de aquello que es, y que al parecer es infinito. Busco el doble posicionamiento esperando vivir allí en escena ferozmente y ser huella. Ser huella luego , ser huella antes.

SIN sostén

SIN sostén fue una obra , es una obra, etc ; que cierra un ciclo, que es despedida y comienzo , es la aceptación de la diferencia , de la falta de homogeneidad de un grupo. cuando empezamos la obra parecía casi imposible respetar las identidades de todos los participantes, hacer que se combinen improvisadamente y que el espectador no muera de aburrimiento y tedio ante la catarsis del prójimo. De lo que decanta que en principio la catarsis afuera. sin sosten está conformado por solos auto retratos (co retratos con mi dirección) que respetan las temáticas , las estéticas de cada intérprete y por la conjunción improvisada de estos. Así como cada una de las interprétes tiene temáticas/estéticas diferentes también tiene distintas formas de percibir la escena y lo que esta necesita. Cada una además toma como toma en el trabajo en grupo un rol diferente en la improvisación, se podría decir si uno fuera mas obtuso que alguna sabe mas que otra improvisar, pero lo cierto es que cada una de las posturas hicieron de Sin sostén un torbellino de imágenes y dinámicas diversas. Lo onírico se estableció como resultante, a pesar de que era la puesta en escena de los vínculos que compartimos, pero la vida es sueño y los sueños, sueños son.

Recórcholis es... Nacemos del caos y en torno a pequeñas organizaciones aleatorias subsistimos en el tiempo y habitamos el espacio. Creemos en la danza como una de esas posibles organizaciones aleatorias (y no sólo eso, sino que es nuestra favorita). Nos gusta hacer bailar el aire, transpirar en invierno, conocernos a través del cuerpo, deshidratarnos en verano. Es el caos el que nos permite actuar y esto muchas veces nos sirve para justificar nuestros deslices adolescentes. Somos parte de un impulso más grande y trabajamos en la creación de Recórcholis porque es lo que podemos aportar a este torbellino que permite que la historia se vaya escribiendo de a poquito. En Recórcholis hay reglas que desarticulan las relaciones lineales, des-estructuran la cotidianidad corporal para re-configurarla, hacen estallar el cuerpo desde adentro. Tal vez hablaríamos de danza molecular sino fuera porque suena a manifiesto pasado de moda. Es una íntima e ínfima revolución interna en cada uno de los hacedores de Recórcholis la que activa el torbellino común. No entendemos dónde están los limites, pero cuando encontramos uno intentamos borrarlo o dibujarle unas líneas arriba que nos permiten dis-fundirlo. En Recórcholis, todos los que están presentes son hacedores, todos los presentes son artistas, todos los presentes son espectadores activos de su propio proceso de producción. Podríamos decir que Recórcholis es un dispositivo, pero sería poco. Podríamos decir que Recórcholis es un evento y estaríamos mintiendo. Podríamos decir que Recórcholis es Arte y no diríamos nada... Recórcholis es Recórcholis y les da la bienvenida siempre a todos los caos. En Recórcholis todos somos parte del conocimiento, somos objetos y sujetos del mismo. Recórcholis es ciencia y decir que Recórcholis es ciencia es situar la grandeza de Recórcholis: una experiencia de conocimiento.

Esa famosa pregunta de cuanto tenemos de natural y de aprendido en nuestro comportamiento etc etc huevos y gallinas. no importa obvio que no importa , es decir no necesitamos resolver eso para funcionar . Un niñito puede parecerse a alguien de su familia fisicamente pero se parecerá a sus padres, o a quien lo haya criado en los gestos y su morfología se mezclara sus habilidades motrices con sus gestos aprendidos. y esos gestos dejarán huellas en la carne que transitan. De la misma manera deja un técnica que ha incorporado profundamente huella en el cuerpo, pero no solo la técnica, sino el alma del docente que estuvo allí mostrando tantas veces como fuera necesario el movimiento. Acabo de ver bailar a mi maestra después de 10 años de casi no verla. Acabo de confrontar mi movimiento con el de ella; mas allá de que mis piernas nunca fueron voladoras, que no tengo ese tono muscular sino mucho mas alto, que no tengo un cuerpo ni parecido , ni el temperamento... y al hacerlo se evidenció lo aprendido tan tan metido como si fuera genético. 20 años de trabajo han fundido la imagen de un otro , el alma de ese otro en mi movimiento. Ahora no se usa tener "un maestro" , y no estoy hablando de uno SOLO , sino de la idea de adherir, no se exactamente la idea de que. pero si el sentido el sentido saberse en medio de , atrás de , y adelante de, en un contexto en referencia a, en relación con, con distintas influencias , y para eso hay que dejarse influenciar. Y tambien enfrentarse con la idea de hace camino al andar, uno influenciará , o será parte de las influencias que otro reciba.No no es un responsabilidad , no hay un nombre que sostener, no ninguna cosa de esa. sino el tiempo que pasa y de pronto un joven te pregunta que clases tomar... y de pronto uno no es mas un joven. Lo del tiempo me lleva directamente a las generaciones de bailarines y la transmision de conocimiento.Se podría decir que aprender a bailar es seguir y copiar ciegamente , de alguna forma el aprender danza es una paradoja, ser un artista del movmiento es aprender a hacer una cantidad de cosas en la misma forma que mi maestro y ser un artista al mismo tiempo. La pedagogía parece haberlo resuelto asi , y la danza no fue una excepción .El cuerpo como cuerpo, como mismidad, y el cuerpo como soporte, y el cuerpo como carne. Un maestro de baile da una clase ritual ordena los tiempos y los espacios , repite y hace repetir movimientos pero aquello que se aprende y aquello que se pretende enseñar no está en los movimientos en si, por uqe no radica en los movmientos en si, es lo mas profundo es esa parte de dios que baila, lo que se desea mostrar, esa parte de cada uno que vive en la necesidad de bailar de cada uno y cada quien.Es el tiempo , el instante que es único vibrante , el instante donde el movmiento es parte de mi estructura, el movimiento mi esencia en ese instante. solo una fuga hacia el instante siguiente. en ese momento cada danzante es una luz brillante qeu titila.Está a la vez sola y en comunión. vuelvo a pensar en la construcccion de un bailarín, el tiempo de sedimentación de los conocimientos es imposible de medir,en una persona, en una comunidad. Talvez todo este devenir monólogo tiene que ver con que encontré después de mucho tiempo con mi maestra en otra decada y otro contexto y ella sigue siento ella, yo sigo siendo yo, somos distintas de las que fuimos y aún asi el vínculo era igual , estaba intacto.

LA BRECHA se hace camino al andar.

Acabo de volver de Usa. fui a hacer un video danza sobre una obra mia, invitada por mi maestra, que me invitaba a traves de la universidad de Western ontario en cánada. si es complicado , no pota! Lo interesante es que estuve acompañando a mi maestra y amiga silvana cardell, a su trabajo una universidad donde ella dirige un programa de danza y enseña. ademas de lo emocionante que es reconocerce en otro y a traves de el tiempo, de lo cual volveré a hablar por que hay para hablar de eso, estuve mirando mucho los procesos de aprendizaje de personas que concurrían a las clases. NO tengo un inglés tan fantástico para entender que de todo lo que corregían los docentes era tomado por las personas que estaban tomando la clase , pero si entendí que habia alguna diferencia con el alumno argentino. no se si tiene qeu ver con lo tremendamente cara que es la formación, en particular y en gral en Estados Unidos, o si es algo que falla en nuestra educación... no pota , lo cierto es que parece que el alumno de allá no se pelea tanto con el material y con el docente. no discute la cosa, la PRUEBA, no refuta , aprovecha. Los distintos docentes dan oportunidades distintas de abordar un tema y no se discute acerca de como es la verdad, o quien la tiene. Quizá solo quizá haya una verdad, no lo creo pero.... en fin yo les ayudo a las personas a transitar las cosas que mas me sirvieron, y el docente de al lado ayudará a transitar aquello que él seleccionó como útil. SEÑORES Y SEÑORAS CUANTAS MAS VERSIONES A PROBAR Y TRANSITAR MEJOR. Así tendremos como resultado ... aquello que a ustedes mas les sirva. en cada cuerpo una respuesta útil para cuerpo en cada momento. y herramientas para probar mas cosas cuando las respuestas nos queden viejas. Ayer una alumna comprendió que nunca había comprendido una indicacion.Me importaba que ella pase por la experiencia de cambiar el modo de hacer ese movimiento pero mas interesante fue darnos cuenta que siempre había creído que estaba haciendo lo que yo decía, cuando jamás había sucedido. Es decir ( mas allá de cual fuera el movimiento y la corrección) ella no le daba el mismo significado a las palabras. si eso es pelearse o no con el material del docente importa poco. el asunto es qeu para ella lo que yo llamaba xx para ella se llamaba jm o cualquier otra cosa. esa es la brecha , y como un globito de aire entre el sticker y la superficie a la cual esta pegado no se fue solo se desplazo , existe la brecha entre el decir y el hacer y si cada alumno no se esmera por probar , hasta el hartasgo posibilidades y sigue escuchando la misma corrección... bueno el docente siempre puede aplicar el métoco neanthertal y manipular el cuerpo del educando hasta que tome la forma requerida e inicie el movimiento con la parte deseada pero vaya a saber dios si todo el mundo entiende cuando no es el mismo quien mueve la cosa. yo diria que son pocos los que entienden ese correctivo. me abruma por que lo que realmente importa no es que mueven, como lo mueven , ni cuando... sino la capacidad para comprender que mueven , como lo mueven y cuando lo mueven y la posibilidad de hacer de esas variables el territorio movil de su exploración.